Сделано для набожных: Великолепный красочный мир латиноамериканских священных скульптур

Поэтому, когда мы думаем о сакральном искусстве, полихромные скульптуры, возможно, не стоят у нас на первом месте — если только мы не провели время в Латинской Америке или на Пиренейском полуострове, то есть в Испании или Португалии.

В испаноязычном мире священные скульптуры полихроматичны — многоцветно окрашены.

Каждая фигура целенаправленно пронизана интенсивными эмоциями, жестами и жизненной силой — всё это явно предназначено для того, чтобы научить Писанию и вдохновить на созерцание и преданность Богу.

Верующие установили близкие отношения с этими возвышенными, функциональными произведениями.

«Святой Людовик Французский», около 1620 года, работа Хуана де Меса. Резное, позолоченное и полихромное дерево; ~180 см на ~90 см на 75 см. Галерея Николаса Кортеса. (Музей и библиотека Испанского общества)

Для многих из нас страсть и порой графическая эмоциональность, передаваемая в латиноамериканском священном искусстве, может показаться чуждой. Действительно, лишь сравнительно недавно учёные стали проявлять больший интерес к этому виду искусства.

Этот интерес был вызван выставкой 2009 года «Священное стало реальностью», организованной Национальной галереей в Лондоне и Национальной галереей искусств в Вашингтоне, рассказал мне Патрик Ленаган в телефонном интервью.

Ленаган является главным куратором гравюр, фотографий и скульптуры в Музее и библиотеке Испанского общества (HSM&L) в Нью-Йорке.

Латиноамериканская полихромная скульптура 1500–1800 годов находится в центре внимания недавно открывшейся выставки общества «Позолоченные фигуры: Дерево и глина во плоти».

Курируемая Ленаганом и его коллегой Элен Фонтойра-Марзин, руководителем отдела консервации HSM&L, выставка объединяет более 20 деревянных и глиняных скульптур — почти все из них из собственных фондов HSM&L.

С помощью этих работ выставка исследует различные виды общественного и частного сакрального искусства в Испании и то, как эта испанская художественная традиция повлияла на латиноамериканскую скульптуру.

Верующие, изображённые в скульптурах

Сакральные скульптуры испаноязычного мира выступали в качестве инструментов веры: они вдохновляли на преданность. По словам Ленагана, скульптуры были созданы для верующих, чтобы они с ними общались. Они являются «частью живой культуры».

Одним из способов взаимодействия верующих с искусством было появление в самом произведении. В «Воскресении», ликующем золотом повествовательном скульптурном рельефе знаменитого испанского скульптора Гиля де Силоэ, Христос воскрес и стоит в центре над своей гробницей.

Справа он встречает учеников на дороге в Эммаус. Слева три Марии идут искать воскресшего Христа. Вокруг гробницы Христа в глубокой дремоте лежат солдаты.

Только один из них свидетельствует о чуде Христа. Он стоит на коленях в благоговении и смотрит на Христа с благочестивым обожанием.

Ленаган считает, что де Силоэ добавил к благоговейному человеку изображение покровителя, изобразив его капитаном солдат, чтобы отметить сильную веру покровителя.

«Воскресение», около 1480–1500 годов, приписывается Жилю де Силоэ. Деревянный алтарь (сосна), полихромный; ~210 см на ~120 см на 37 см. (Музей и библиотека Испанского общества)

«Гиль де Силоэ был очень искусным скульптором в том, как он организовывал сцены на композиционной картинной плоскости, чтобы выявить теологические нюансы и детали, соответствующие контексту и теме», — сказал Ленаган.

Он добавил, что эта работа указывает на очень сильное понимание теологии, но суметь воплотить это в нечто визуально привлекательное — совсем другое дело.

Благочестивое украшение статуй

Часто скульптуры одного и того же скульптора могут выглядеть совершенно по-разному из-за участия разных мастеров. Покровители часто получали заказанные статуи неокрашенными.

Они сами договаривались с художником, чтобы тот приукрасил работы и сделал их как можно более реалистичными. Для натуралистичности скульптуры часто украшали стеклянными глазами, зубами из слоновой кости и настоящими ресницами. В некоторых случаях произведения были одеты в костюмы.

«Imagen de Vesti», около 1800 года, работа анонимного скульптора. Полихромная деревянная арматура с вышитой мантией, украшенной блёстками, фольгой и металлической нитью; высота ~55 см. (Музей и библиотека Испанского общества).

Некоторые скульпторы всё же контролировали роспись своих произведений.

Например, шурин королевского скульптора Луизы Ролдан раскрашивал её скульптуры, в результате чего эстетика её работ оставалась неизменной. Но как только изделие покидало мастерскую, его цвет и внешний вид могли измениться, часто так и происходило.

«Экстаз святой Марии Магдалины», 1692—1706, Луиза Ролдан. Полихромная терракота; ~30 см на ~45 см на ~25 см. (Музей и библиотека Испанского общества)

«Мистический брак Святой Екатерины», 1692—1706, Луиза Ролдан. Полихромная терракота; ~36 см на ~45см на ~29,5 см на ~83см. (Музей и библиотека Испанского общества)

Перекрашивание произведений в соответствии с популярными представлениями было обычной практикой. На выставке пара терракотовых скульптур Ролдана хорошо демонстрирует эту практику. Ленаган объяснил, что эти работы Рольдана приобрели совершенно иной вид, как только покинули мастерскую, и были переделаны из первоначальной яркой, насыщенной цветовой палитры в более трезвые оттенки.

Консерватор Испанского общества Фонтойра-Марзин провёл последние 20 лет, терпеливо возвращая экспонатам их первоначальный вид. Благодаря Фонтойра-Марзину посетители выставки теперь могут насладиться цветами терракот Рольдан, близкими к её первоначальному замыслу.

Страдания мучеников, страдания статуй

Если внимательно посмотреть на некоторые скульптуры на выставке, то можно буквально увидеть «шрамы от их использования», — сказал Ленаган. У скульптуры «Благословляющий младенец Христос» работы Алонсо Мартинеса есть ссадины на шее и руках. На протяжении многих лет статую обнажённого Христа одевали в разные костюмы, в результате чего краска стёрлась в тех местах, где одежду натягивали и снимали.

«Благословляющий младенец Христос», около 1645 года, автор Алонсо Мартинес (1612—1668), ранее приписывавшийся Франсиско де Рибасу (1616—1679). Полихромированное дерево; ~80 см на ~28 см (фигура и постамент). (Музей и библиотека Испанского общества)

То, как владельцы скульптур часто изменяли их, завораживает. На выставке представлен красивый бюст мужчины работы Педро де Мена со стеклянными глазами, аккуратно подстриженными усами и слегка приоткрытым ртом.

При ближайшем рассмотрении можно заметить, что его горло перерезано, и он потрясён. Выражение его лица полно шока и отчаяния. Бюст изображает святого Ацикла, бывшего римского солдата, мученически погибшего в четвёртом веке за верность своей вере.

«Святой Ацискл», около 1680 года, работа Педро де Мена. Полихромированное и позолоченное дерево; ~50 см на ~42 см на ~22 см. (Музей и библиотека Испанского общества)

Изначально бюст был более полной, более выразительной фигурой. На старой фотографии статуя изображена с предплечьями и торсом. По лицу мужчины когда-то капали стеклянные слёзы, а из его шеи сочилось гораздо больше крови.

«Её первоначальный вид более убедительно говорил о том, что перед лицом таких страданий нужно упорствовать в вере», — говорит Ленаган.

Он считает, что фигура была смягчена и уменьшена до бюста, возможно, в знак уважения к античным бюстам, чтобы сделать скульптуру более привлекательной для покупателей.

Другой случай, когда скульптура была изменена, — это распятие. Это произведение, которое полностью озадачило Ленагана вопросом о том, кто был скульптором. На ней Христос стоит на кресте, а у его подножия лежит Дева Мария.

Латиноамериканское общество купило её на аукционе, не имея времени на атрибуцию. Вскоре он понял, что Дева Мария выполнена испанским скульптором XIX века Мануэлем Гонсалесом Сантосом, но распятие совсем не отражает стиль скульптора. Ленаган был ошеломлён, когда его друг решительно предположил, что это работа Пабло де Рохаса, крупного испанского скульптора XVII века.

«Я был ошеломлён, потому что это большой переворот — иметь статую Пабло де Рохаса», — сказал он. Сейчас Ленаган считает, что Дева Мария была добавлена владельцем примерно 200 лет спустя.

Влияние на Новый Свет

Когда испанцы пришли в Новый Свет, религиозные скульптуры сыграли важную роль в обращении коренного населения в католицизм. По мере возможности испанские скульпторы передавали свои западные техники местным скульпторам, в результате чего латиноамериканские религиозные произведения приобрели испанский стиль.

Например, две работы на выставке — «Святой Франциск» и «Mater Dolorosa» — считались испанскими произведениями до недавнего времени, когда некоторые атрибуты на них были изменены мексиканским художникам.

«Mater Dolorosa», или «Богоматерь Скорбящая», 17 век, работа анонимного мексиканского скульптора. Полихромированное дерево; ~167 см на 66 см, в экспозиции «Позолоченные фигуры: Wood and Clay Made Flesh» в Музее и библиотеке Испанского общества в Нью-Йорке. (Музей и библиотека Испанского общества)

Иногда латиноамериканские художники адаптировали испанский стиль, и скульптуры приобретали ярко выраженный местный колорит. Например, в Испании золото обычно использовалось в качестве грунта, базового слоя скульптур, на который наносилась краска.

Затем художники процарапывали узоры на части окрашенной поверхности, чтобы обнажить золото под ним. Часть золота оставалась скрытой под краской, что ещё больше усиливало пигменты краски.

Ленаган объяснил, что художники в Кито, Эквадор, использовали золотые и серебряные грунты в своих статуях. Такая практика существовала в Испании, но эквадорские скульпторы использовали её для более драматического эффекта, часто сочетая её с золотом.

«Богоматерь Апокалипсиса» или «Дева Кито», 1700–1725 годы, работа анонимного эквадорского скульптора. Полихромированное и позолоченное дерево; ~79 см на ~29 см на ~41 см (с крыльями). (Музей и библиотека Испанского общества)

«Святой Михаил Архангел», 1700–1725 гг., анонимный эквадорский скульптор. Полихромированное и позолоченное дерево; высота ~130 см. (Музей и библиотека Испанского общества)

Ленаган объяснил, что Кито был четвёртым по величине городом Нового Света — его опережали только Лима, Гавана и Мехико. Отчасти богатство Кито обеспечивали многочисленные серебряные рудники.

«Дева Кито» и «Святой Михаил Архангел» — это пара примеров работ из Кито, где использовались как золотые, так и серебряные грунты. Использование серебряного грунта в этих работах усиливает интенсивность красных и синих тонов, придавая работам электрическое качество.

Одна из самых ярких работ выставки также из Кито: «Четыре судьбы человека», приписываемая Мануэлю Чили, более известному как Каспикара.

Это особенно трогательное произведение, которое наглядно показывает зрителю различные последствия безнравственной жизни, по сравнению с добродетельной, следующей святым заповедям.

Об этой работе мало что известно; нет ни одной известной скульптурной формы, подобной этой.

«Четыре судьбы человека», около 1775 года, приписывается Мануэлю Чили, известному как Каспикара. (СЛЕВА НАПРАВО): «Смерть», ~18 см на ~12 см на ~8 см; «Душа в аду», ~18 см на ~14,5 см на ~8 см; «Душа в чистилище», ~17 см на ~11 см на 12 см; и «Душа в раю», ~17,5 см на ~11 см на ~12 см. Полихромное дерево, стекло и металл. (Музей и библиотека Испанского общества)

Каспикара мог иметь примерное представление об иконографии и теологической концепции по неаполитанским восковым фигурам, изображающим души в аду, пояснил Ленаган. Его впечатляют детали на таком маленьком наборе фигурок, которые говорят о невероятном таланте и ловкости рук.

«Смерть», часть картины «Четыре судьбы человека», около 1775 года, приписывается Мануэлю Чили, известному как Каспикара. Полихромное дерево, стекло и металл; ~18 см на ~12 см на ~8 см. (Музей и библиотека Испанского общества)

«Душа в аду», часть картины «Четыре судьбы человека», около 1775 года, приписывается Мануэлю Чили, известному как Каспикара. Полихромное дерево, стекло и металл; ~18 см на ~14,5 см на ~8 см. (Музей и библиотека Испанского общества)

«Душа в чистилище», часть картины «Четыре судьбы человека», около 1775 года, приписывается Мануэлю Чили, известному как Каспикара. Полихромное дерево, стекло и металл; ~17 см на ~11 см на 12 см. (Музей и библиотека Испанского общества)

«Душа на небесах», часть картины «Четыре судьбы человека», около 1775 года, приписывается Мануэлю Чили, известному как Каспикара. Полихромное дерево, стекло и металл; ~17,5 см на ~11 см на ~12 см. (Музей и библиотека Испанского общества)

Ленаган сказал:

«По мере развития XVIII века, когда неоклассические каноны и эстетика начинают проникать в Испанию, в некоторых статуях появляется больше сдержанности и, возможно, меньше откровенных эмоций. (…) Но эмоциональная значимость изображаемых предметов… никогда не уходит со сцены, потому что в том мире, я думаю, святость приходит через страдания. И поэтому вы меряете святость тем, насколько сильно вы страдали, и вашей преданностью вере».

Выставка «Позолоченные фигуры: Дерево и глина во плоти» в Музее и библиотеке Испанского общества в Нью-Йорке продлится до 9 января 2022 года. Чтобы узнать больше, посетите сайт HispanicSociety.org.